Caspar David Friedrich "El caminante sobre el mar de nubes"

El caminante sobre el mar de nubes (en alemán, Der Wanderer über dem Nebelmeer) es un conocido cuadro del pintor romántico alemán Caspar David Friedrich. Data del año 1818. Se trata de un óleo sobre tela que mide 74,8 centímetros de alto por 94,8 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en el Kunsthalle de Hamburgo (Alemania).
La obra representa a un viajero, al que se ha identificado con el propio Friedrich , que encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que queda debajo. El viajero se encuentra de espaldas. Viste de negro. Adelanta una pierna y se apoya en un bastón. Se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de enormes montañas ocupa el fondo. La gran extensión de cielo por encima de las alturas de las montañas del fondo cubre gran parte del cuadro. Se trata de un paisaje de la Suiza de Sajonia.

Caspar David Friedrich

Friedrich nace en la Pomerania del Báltico en 1774, siendo contemporáneo de Constable. Se forma como dibujante en la Academia de Bellas Artes de Copenhague (en la que destaca Abllgarr como artista neoclásico), trabajando como tal durante varios años. Se establece en Drese en 1798, ciudad con una importante tradición pictórica en siglo XVIII. En 1807 empieza a pintar paisajes al óleo, a los cuales les da una apariencia religiosa, mística, teniendo un carácter casi anicónico. Sus paisajes no son panteístas, sino religiosos, apreciándose la influencia del Pietismo (tendencia del Protestantismo) y de la filosofía de Schleyermacher.
SACADO DE WIKIPEDIA.COM

Este cuadro me ha gustado mucho porque tiene unos colores que me gustan y tiene mucha naturalidad

Jean-François Millet "Angelus"

El Angelus es la obra maestra de Millet y pone de manifiesto su adhesión al Realismo. Millet muestra a dos campesinos orando y dando gracias a Dios por la cosecha obtenida con el sudor y el esfuerzo de muchos días. El hombre y la mujer agachan piadosamente las cabezas, agarrando él su sombrero y llevando ella sus manos al pecho. A sus pies contemplamos la cesta con los frutos y el apero de labor.


Jean-François Millet



Jean-François Millet pintor francés nació en Gruchy (1814) y falleció en Barbizon (1875 Francia). Se le puede adjuntar a dos estilos: Realismo francés e Impresionismo. Nació en una familia de campesinos de Normandía y, gracias a una beca, pudo estudiar pintura en París, en el estudio de Delaroche. Sus primeros retratos y cuadros mitológicos nada tienen que ver con sus posteriores obras de tema campesino, en las que se enaltecen la vida y las ocupaciones diarias de las gentes que trabajan en el campo.


Este cuadro lo he cogido porque muestra como trabajaban en el período del Realismo y también como le daban gracias a Dios por los frutos recogidos.

Parte de esta información ha sido cogida de todoexpertos.com

Joseph Mallord William Turner "El naufragio"

Éste es un tema que Turner tratará en numerosas ocasiones. Las aguas del mar aparecen definidas aquí de una manera muy compacta, mostrando la lucha del bote contra el mar embravecido, tema relacionado con la pintura de lo sublime al reflejar la lucha del propio hombre. Se produce una identificación emocional con las figuras del bote, produciendo así terror en el espectador. Esto muestra la capacidad de la pintura de despertar emociones que en la actualidad puede resultar más leve porque estamos más acostumbrados a este tipo de imágenes a través de los medios de masas. También recoge la catarsis de Aristóteles, ya que son obras que afecta al espectador, pero no directamente, por lo que se siente a salvo de esa angustia en la seguridad de su casa. La iluminación tiene un carácter dramático, con una gran claridad en el primer término, el mar, fuertemente dramatizado por el contraste con el fondo oscuro. La composición es una diagonal que se corta con otra más corta (el mástil), mostrando la influencia del Barroco.

Joseph Mallord William Turner

Turner es el artista de mayor relieve en la Inglaterra de la primera mitad del siglo XIX. Su obra es muy amplia y reiterativa, encontrándose gran parte de ella en la Tate Gallery Formado en la tradición del paisaje topográfico ingles en el taller de Thomas Malton, influyéndole también la obra de Girtin, con quien trabajó en una serie de acuarelas. Viajará por Europa, donde le influirá la tradición del paisajismo clasicista. De Lorena será vital para Turner y sus composiciones, muy estudiadas, utilizando composiciones de bastidor con elementos a los lados que anclan la obra; y también por la luz, de gran esplendor y que será su objetivo último en el final de su vida, antecediendo al Impresionismo. En cuanto al color, acude al círculo cromático que ya intuyó Delacroix. Al igual que Goethe se preocupó también por la teoría del color, reuniendo en ella un afán científico y humanista. Turner también sufre la influencia de la pintura holandesa de Ruysdael, Hobeman, Rembrandt, que se manifiesta en su afición por los paisajes fantásticos. En 1802 realiza un viaje por Europa, dirigiéndose a Francia y a Suiza, donde recogerá impresiones de los Alpes y paisajes de alta montaña, de lo sublime. En 1817 viaja a Bélgica, Holanda y el Valle del Rin y en 1819 irá a Venecia, dode le influirá especialmente la atmósfera del color. Tras este viaje, Turner regresará tres veces más a Italia.

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Para mi este cuadro da un aire de terror y desperpierta emoción y a mi por lo menos me encantaría estar dentro de ese cuadro.

Francisco de Goya "El aquelarre"

TEMA. El cuadro representa, como su propio nombre indica, un aquelarre (reunión o invocación al demonio) en el que bastantes brujas rinden culto a éste, situado a la izquierda del cuadro.

COMPOSICIÓN. Es simétrica ya que están sentadas en círculo (composición similar a La gallinita ciega).
Podríamos decir que el centro de esta composición lo forma la mujer del pañuelo blanco a cutos lados se encuentra el demonio el cual destaca en la escena por su tamaño y su enorme mancha negra) y una mujer sentada en la silla (el retrato de Leocadia, amante de Goya, no demasiado favorecida al encontrarse junto a las brujas.

LÍNEA Y COLOR. Como en la mayoría de sus pinturas negras, Goya, utiliza una paleta sucia (varios colores mezclados con negro). La pincelada es muy suelta, pero en algunas figuras Goya realiza el contorno con líneas bastante finas, como por ejemplo la figura de la izquierda. Todo esto hace crear una escena de terror, macabra.

LUZ. Es expresiva, da fuerza, energía a la imagen, y se centra en las figuras de delante, donde tiene mayor movimiento la escena. Nos permite ver con mucho realismo en la escena y percibir el morbo de la situación junto con el hecho tan tenebroso que representa una invocación al diablo. Se utilizan fuertes claroscuros, como el pañuelo de la bruja sentada en la silla.

PERSPECTIVA. Es aérea, ya que a las brujas que están situadas más lejos su rostro no se puede distinguir del todo bien, en cambio en las de delante sí, aunque (como ya decíamos) le interesa sobre todo el primer plano.

FIGURAS. Los rostros de las brujas están deformados (quizá Goya nos quiso hacer ver la típica imagen de bruja como alguien monstruoso y malévolo). Éstas, rindiendo culto al demonio, muestran su atención puesta en el demonio y a la bruja de la silla. Además de un espectáculo tenebroso; al parecer, Goya nos intenta hacer ver una iniciación diabólica entre ambos. Las figuras están muy juntas y no hay espacio visible entre ellas, por ello nos da la sensación de que son bastantes brujas observando el espectáculo, lo cual es una verdadera novedad, crear un efecto de masa, no de figuras juntas.


FRANCISCO DE GOYA


El aragonés Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828)es un pintor genial difícil de encasillar . Vivió a caballo entre los siglos XVIII y XIX , sirviendo a cuatro reyes : Carlos III, Carlos IV, José Bonaparte y Fernando VII . Cultivó el Neoclasicismo y el Romanticismo, y a lo largo y ancho de su vasta producción anticipa los cambios radicales que va a experimentar la sensibilidad pictórica contemporánea : la ligereza de su pincelada preludia el Impresionismo, sus fantasías oníricas desembocan en el Surrealismo y su desgarrado mundo interior abre paso a la temática expresionista . Dominó todas las técnicas : la pintura mural y de caballete, los cartones para tapices y el grabado; y abondó en todos los géneros : el retrato, el bodegón, el cuadro religiodo e histórico y la escena costumbristas.
En 1792 viaja a Sevilla, donde contrae una penosa enfermedad que le deja como secuela la sordera total.



Parte de la información de este cuadro ha sido cogida de sdelbiombo.blogia.com.

Este cuadro no es que me guste mucho pero tambien tiene su belleza , como todas esas personas están asustadas por la presencia del diablo.

Jacques-Louis David " Retrato ecuestre de Napoleón pasando el puerto alpino del Gran San Bernardo.

Habiendo tomado el poder en Francia durante el 18 brumario el 9 de noviembre de 1799, Napoleón decidió regresar a Italia para reforzar las tropas francesas que aún estaban en el país y volver a ocupar el territorio tomado por los austriacos en los años precedentes. En la primavera de 1800 guió al Ejército de Reserva a través de los Alpes por el paso de San Bernardo. Las fuerzas austriacas, bajo Michael von Melas, estaban sitiando Masséna en Génova y Napoleón confiaba en tener el elemento sorpresa de su parte tomando la ruta a través de los Alpes. Cuando llegaron las tropas de Napoleón, Génova había caído; pero él siguió adelante, confiando en alcanzar a los austriacos antes de que pudieran reagruparse. El Ejército de Reserva libró una batalla en Montebello el 9 de junio antes de con el tiempo asegurarse una victoria decisiva en la Batalla de Marengo.
La instalación de Napoleón como Primer Cónsul y la victoria francesa en Italia permitieron un acercamiento con Carlos IV de España. Mientras se llevaban a cabo negociaciones para restablecer relaciones diplomáticas, tuvo lugar el tradicional intercambio de regalos. Carlos recibió unas pistolas realizadas en Versalles, ropajes de los mejores sastres parisinos, joyas para la reina, y un magnífico conjunto de armadura para el recientemente vuelto a nombrar Primer Ministro Manuel Godoy. A su vez, a Napoleón le ofrecieron dieciséis caballos españoles de los establos reales, retratos del rey y la reina ejecutados por Goya, y el retrato que se iba a encargar a David. El embajador francés en España, Charles-Jean-Marie Alquier, pidió la pintura original a David de parte de Carlos. El retrato colgaría en el Palacio Real de Madrid como símbolo de la nueva relación entre los dos países. David, que había sido un ardiente defensor de la Revolución pero que había transferido su fervor al nuevo Consulado, estaba deseando aceptar el encargo.
Al conocer la petición, Bonaparte pidió a David que pintara otras tres versiones más: una para el Palacio de Saint-Cloud, una para la biblioteca de Los Inválidos, y una tercera para el palacio de la República Cisalpina en Milán. Una quinta versión fue realizada por David y permaneció en varios de sus talleres hasta su muerte.

Composición
La composición está basada en formas geométricas simples. El sujeto principal encaja en un círculo delimitado por la cola del caballo y el borde de la capa. El pomo de la espada está en el centro de este círculo. Napoleón y su caballo hacen la forma de una Z, dotando de dinamismo a la escena, y las diagonales de las montañas y las nubes se oponen entre sí, reforzando la impresión de movimiento. A pesar de los aspecxtos dinámicos de la composición, la escena aparece estática, debido principalmente a la iluminación con la que David iluminó a su sujeto dando a la pintura el aspecto de un bajorrelieve.

Jacques-Louis David

David (París , 1748 - Bruselas , 1825 ) representa al pintor político , comprometido con los ideales de la Revolución francesa y con el Imperio napoleónico , que no duda en poner su arte al servicio de la propaganda . La aventura social que retumba en sus cuadros anticipa la pintura moderna .

Este cuadro me gusta mucho porque parece que es real , como el caballo salta y como el viento mueve su pelo parece una fotografía hecha en los Alpes.